Roxy Music: Avalon

El grupo Roxy music fué fundando a principios de los setenta por Bryan Ferry.Tambien formaron parte del proyecto Phil Manzanera como guitarrista,Andy Mackay como saxofonista,paul thompson como bateria y Brian Eno como Teclista y sintetista.
En aquella Epoca comenzaron ha surgir nuevos grupos y a tambien ha creaser nuevos sonidos y estilos musicales.Hay que recordar que a pricipios de los años setenta Los Beatles se habian separado.Pues bien en un contexto de ebullicion musical aparecieron este grupo. Tengo que decir que llamaron, más incluso, su estetica, su forma de vestir, que su propia musica, aunque también destaca su música. En aquella epoca estaba muy de moda los pantalones campanas y las lentejuelas. Pero este grupo destacaba por su extravagancia y pomposidad, sobre todo de cierto componente. Se llegaron incluso a incluir erroneamente dentro del movimiento Glam y a compararlo con David Bowie. Pero no tenían nada que ver ni con uno ni con otro. Vestían de aquella manera para llamar la atención.
Tambien destacaron por sus portadas de discos, aunténticas obras maestras. Solían aparecer bonitas chicas en posiciones muy eróticas. Incluso se llegó a censurar la portada de uno de sus discos. En ella aparecían dos chicas en medio del bosque, semidesnudas y solo cubiertas por sus bragas y una de ellas con un sujetador. Hay que decir que esta portada del disco fue editada en el año 74. También destaca por su belleza su disco llamado "Siren"(75) En ella aparece una bella sirena. Por otro lado os recomiendo, si teneis la oportunidad, ver sus preciosos videoclips en Youtube.

El grupo tuvo tres etapas bien diferenciadas. La primera abarca su dos primeros discos (72-73). Es su época más creativa y llamativa. En esta etapa tenía una gran influencia en el grupo El señor Brian Eno. Por porblemas de rivalidad con Ferry, en cuanto al concepto del grupo, se marchó e inició su carrera en solitario. Este señor fue muy prolifico y creativo. Actualmente es más conocido como el productor musical de U2. La segunda etapa musical de Roxy Music se inicia una vez marchado Eno entre el 73 y el 75. Luego se separaron temporalmente y se reunieron de nuevo a finales de los años setenta.
Esta última etapa que va entre el año 79 y el 82 es la mas exitosa en cuanto a ventas de discos pero no en cuanto a creatividad. Y es en el año 1982 y en su momento de mayor exito cuando se separan. En este año publica su disco más conocido y mas vendido:"AVALON". Este disco se caracteriza por sus canciones melodicas y de amor. Ofrece un sonido muy sotisficado y muy en la linea de su líder Brian Ferry.

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Soledad Gimenez: La Felicidad

Tenía muchas ganas de que saliera el nuevo Cd de Soledad Gimenez, incluso hace un mes cuando realizé el comentario de su primer trabajo "Quizás" ya anuncié que estaría preparado para poner el nuevo disco. Lo lamento, pero mi debilidad por la voz de esta mujer, supera mis fuerzas. Canta como los ángeles, pero avisaré que no hay sorpresas, es más, como siempre, lo mejor no es lo que se va a escuchar por las radios, su primer single promocional que canta con Ana Belén, sino que hay que profundizar en el disco y escuchar despacio, todo él. No hay decepción, pero cuidado, para los que buscan novedades y sorpresas no os vais a encontrar nada fuera de lo común, suena a presuntos implicados, suena a jazz valenciano, suena a su voz, a su intimismo habitual y las letras tinene un sabor especial por que claramente marcan ese "miedo inicial" de una artista que no sabe si lo que ahora canta y escribe, va a gustar a su público. Tranquila "sole", tus incondicionales no lo notarán, y los que estén dispuestos a gastar 60 minutos de su tiempo van a agradecer que no te hayas ido ni de ti ni de tu estilo, ni del corazón de cada uno. Soledad Gimenez es una gran artista y este va a ser otro de esos discos que se guardan por los siglos de los siglos.

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Prince: Purple Rain

He leído tantísimas cosas de Prince que al final no se qué llegar a poner de él. Pienso que en el fondo no puedo alabar a un artista que “se lo ha creído” y que en un principio SÍ lo hizo muy bien pero con el tiempo ha muerto de éxito, y eso le ha dejado en muy mal lugar. Caprichoso, maleducado insoportable pero “artistazo” de los pies a la cabeza. Ese es Prince, el que tanto entregó en sus 6 ó 7 primeros discos, que era encontrar sorpresa tas sorpresa pero hasta que llegó un maldito momento en su carrera y fue grabar la banda sonora de la película BATMAN en 1989. Ahí se mató, quizás así no lo pensó en su momento pero esto le llevó a mal entender su futuro musical, y la sorpresa se volvía desilusión cada vez que volvía a escuchar un nuevo disco suyo.
Pero el tiempo, pone a cada uno donde se merece. Y ahora volver a escuchar sus primeros discos, descubro su capacidad para innovar y para ofrecer un punto de vista muy vigente, aun , hoy en día. Yo diría la famosa frase “... A Prince muerto... Prince puesto...”
Recomiendo para información total de Prince, la tradicional WIKIPEDIA: http://es.wikipedia.org/wiki/Prince

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Billy Joel: Piano Man

William Martín (Billy) Joel, nace el 9 de mayo de 1949 en Hicksville, Long Island-Nueva York. Cantante, compositor y pianista estadounidense.Billy Joel graba muchos éxitos populares como "Piano Man", desde 1973 hasta su retiro para grabar música pop en 1993. Es uno de los pocos artistas de rock y pop que tienen éxitos en el "Top Ten" de los '70s, '80s, y '90s. Ganador del Premio Grammy en seis ocasiones (incluyendo el Grammy Leyenda por su contribución a la música).Billy Joel es considerado uno de los grandes cantautores de todos los tiempos, su legado en la cultura pop es sólo comparable con el de otros grandes como Elton John o Frank Sinatra entre otros, canciones que permanecerán inmortales através de los años y que han emocionado a 3 Generaciones completas. Billy Joel es ante nada un sagaz contador de historias, un trovador rockero, su sello particular, melódicas canciones Pop/Rock con un toque sutíl y fantástico piano, como letra, cualquier historia que Joel pudiera contar, que iban desde viajes, fiestas, historias amorosas, y encuentros inesperados.Existe otra version de esta cancion del grupo Westlife.El videoclip de Billy Joel se desarrolla en un taller mecanico, y el de Westlife en una cafeteria, la chica en cuestion de este videoclip es Claudia Schiffer.

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Michael Jackson: Bad

No me podía olvidar de la figura más grande que ha dado el mundo del pop. Pese a todo lo que pueda deparar el futuro de Michael Jackson, su legado es ya mítico. Después de triunfar desde muy pequeño con sus hermanos, en 1979 graba el primer disco de muy posiblemente la trilogía más mediática y vendedora de la historia de la música. Era el “Off the wall”. Más tarde llegaría “Thriller” en 1982 y BAD en 1987, el álbum más esperado de la historia de la música. Después del gran sabor de boca que había dejado “Thriller”, no dejábamos de preguntarnos con qué nos sorprendería Jackson en su nuevo disco. Y pasaron 5 años hasta que apareció BAD. Como no podía ser de otra forma, para el disco se puso toda "la carne en el asador". Nuevas tecnologías, los mejores músicos de sesión, productores (Quincy Jones), invitados de lujo, como las voces de gospel del coro de Andrae Crouch y la familia Winans, los cantantes sudafricanos Letta Mbulu y Caiphus Semenya, el legendario organista de jazz Jimmy Smith, Stevie Wonder... El disco se abría con la canción que le daba título, una sola palabra, igual que en “Thriller”. El tema salió como segundo single del álbum, y contó con un vídeo dirigido por el director de cine Martin Scorsese. Michael invitó al gran genio de la música, Prince Roger Nelson, en lo que podría haber sido el dúo más explosivo que jamás se hubiera hecho, pero el de Minneapolis desistió la invitación. La canción estaba inspirada en un chico que se vuelve en un criminal y acaba en la cárcel. “Who's bad?” (quién es el malo?). The way you make me feel es el tema más sexy del álbum, y tercer single. Michael en una actitud provocativa intenta conquistar a su chica en el vídeo, siendo un pequeño homenaje a la película Grease en donde John Travolta quiere conquistar a Olivia Newton Jones. Don't girl, y sus suspiros y gestos habituales con un pop electrónico abren una de las sorpresas del disco. Speed Demon es la tercera canción. En la película Moonwalker podemos ver el vídeo en el que Jackson se convierte en un animal que va a toda velocidad en moto. Así es como comienza la canción con un sonido de motocicleta. Liberian Girl es una de las baladas del álbum. Habla de un sentimiento hacia una joven mujer con la que no puede entenderse. Muy exótica. El disco continúa con Just Good Friends, una canción cuya letra es similar a The girl is mine del Thriller. Stevie Wonder y Michael se dicen el uno al otro no asumir nada porque la chica en cuestión esta seduciendo al otro. Continúa con Another Part Of Me, un tema de color positivo, antes de llegar a uno de los temas estrellas Man In The Mirror, escrito por Siedah Garret y Glen Ballard. Una gran letra para una música y melodía fantástica, make a change, por un cambio a un mundo mejor. Un tema con el que el rey del pop ha cerrado muchos de sus conciertos...Siedah Garret también acompaña a Michael en I Just Can't Stop Loving You, el primer single del disco, que comenzó a sonar en la radio el 22 de julio de 1987. Una gran canción de amor, con mucha pasión. Otra de las canciones que más dió que hablar fue Dirty Diana, por su relación de amistad-odio con Diana Ross, ¿el título iba con dedicatoria?. Es lo más rock del disco. Smooth Criminal es otro de los temas estrellas. Con otros de esos vídeos a los que Michael Jackson nos tenía acostumbrados, y base de la película Moonwalker. De lo más funky de Michael, no deja de repetir Annie are you ok?. El vídeo se desarrolla en un club de los años 30 y Michael Jackson con su coreografía consigue derrotar a los malos. Leave Me Alone es el tema que cierra el disco, aunque no aparece en todas las ediciones. Por estas cosas incompresibles (o no tanto) que tiene la música, el videoclip se llevó el Grammy, algo que no consiguió el de Smooth Criminal. El disco se movió en cifras multimillonarias, y hoy en día, seguramente será uno de los 5 ó 10 más vendidos de la historia. La gira fue también increible. “El mayor espectáculo del mundo”, anunciaban por entonces, y desde luego, podía serlo. Esta versión descargable que os dejo en el enlace es la reedición que se editó en el 2001 con entrevistas exclusivas con Quincy Jones contando cositas (en inglés) de algunas canciones y anécdotas de la grabación del disco.

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Babyface: MTV Unplugged

Kenneth Brian Edmonds (nacido el 10 de abril de 1958 en Indianapolis, Indiana), conocido profesionalmente como Babyface, es un exitoso cantante afroamericano de R&B y pop, compositor de canciones, productor musical y cinematográfico, guitarrista y empresario.Edmons, el quinto de seis hermanos, asistió al instituto North Central de Indianápolis, y durante su tímida juventud comenzó a escribir canciones para así expresar sus sentimientos. Edmons más tarde tocaría con la superestrella del funk Bootsy Collins, autor del apodo "Babyface" con el que se le comenzaría a conocer al joven cantante. También actuó con grupos como Manchild (quienes alcanzaron el éxito con el single "Especially for You" en 1977) y el grupo de R&B y funk The Deele (grabaron tres álbumes en la década de los 80). Hacia el final de la carrera de Deele, Babyface firmó un acuerdo con Solar Records, lanzando su álbum debut Lovers en 1986. Babyface está también asociado con los grupos de R&B After 7 y Milestone, en los que forman parte sus hermanos Kevon y Melvin, respectivamente.En 1989, Babyface fundó el exitoso sello discográfico de R&B y hip hop LaFace Records con Antonio "L.A." Reid. Dos de los primeros artistas firmados, Toni Braxton y TLC, alcanzaron un éxito masivo. El álbum debut de Braxton de 1993, titulado igual que ella, vendió más de ocho millones de copias, y ganó un Grammy como "Mejor Artista Nuevo" del año 1994. Mientras tanto, los dos álbumes de TLC en LaFace (Ooooooohhh.... On the TLC Tip en 1992 y CrazySexyCool en 1994) se combinaron para vender más de 15 millones de copias y CrazySexyCool ganó el Grammy al "Mejor Álbum R&B" de 1996.Edmons también está detrás de algunos de los mayores éxitos del R&B contemporáneo. Escribió y produjo los singles de Boyz II Men "End of the Road" y "I'll Make Love To You", canciones que establecieron récords de permanencia más larga en el número uno de la lista de Billboard Hot 100. En el éxito #1 "Take A Bow" de Madonna (1995), colaboró en los vocales de fondo, y además ha producido y escrito música para artistas como Michael Jackson, Janet Jackson, Whitney Houston, Patti LaBelle, Céline Dion, Mary J. Blige, Mariah Carey, Eric Clapton, Madonna, Aretha Franklin, Ken Hirai, Pink y Sheena Easton entre otros, y ha recibido tres premios Grammy consecutivos al "Mejor Productor del Año" en 1996, 1997 y 1998.A mediados de los 90, Edmons y su esposa Tracey Edmonds crearon la compañía cinematográfica "Edmonds Production Company", y produjeron películas como Soul Food (1997) y Josie and the Pussycats (2001). Babyface también colaboró con David Foster para componer el tema oficial de los Juegos Olímpicos de Atlanta de 1996, cantado por Linda Thompson.Babyface está participando en un single benéfico compuesto y producido por Michael Jackson. Se ignora si aparecerá en los vocales o como productor. El título del tema es "I Have This Dream".

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Eric Clapton: Reptile

Habitualmente, cuando escribo una reseña del disco que “posteo” (del verbo “postear” de Internet “post” o entrada o posta o lo que nos apetezca, y que Internet se encarga de castellanizar) pues me empapo lo suficiente del artista o disco al que hago referencia. En algún otro caso os re-direcciono hacia alguna página que da una información que estimo muy fiable o en otros casos directamente cuento alguna historia personal o conocida acerca del disco que lleve una relación directa. Esta vez me he perdido en un detalle de Eric Clapton y es que como algunos / as sabéis a Clapton se le llamaba “mano-lenta” (en inglés “Slowhand”) pero no he podido saber exactamente por qué. En su pagina oficial, cuenta una versión, en reseñas leídas de su biografía he sacado otra y después he encontrado otras que me parecían más o menos reales. Estas han sido las 3 teorías:
Una de ellas dice que su apodo es debido a que en sus primeros conciertos, solía romper las cuerdas de la guitarra y tardaba un buen rato en poner cuerdas nuevas. De ahí que la gente se impacientara y lo llamara Slowhand.
La segunda dice así, Eric Clapton solía tener dificultad pagando las copas en los bares en los que actuaba. ¿Será esta anécdota la consecuencia del cabreo de algún barman?
Otros, sin embargo, atribuyen su apelativo a la velocidad con la que toca la guitarra. Bueno, no es un hombre que haya destacado por sus rifs vertiginosos, pero no creo que Slowhand sea tampoco lo más apropiado…
El caso es que esta vez de su biografía os remito por ejemplo a http://www.todomusica.org/eric_clapton/ que me parece que no resume nada mal quien es y a que se ha dedicado.
Recomiendo esta vez este disco porque de los últimos editados por “Slowhand” Clapton me parece delicado, evocador, muy cuidado, y nada pretencioso, lleno de buen blues, fácil de escuchar y totalmente lleno de contenido.
Ya se que hay discos de él mucho mejores, pero esta vez me decanto por este REPTILE que no debe faltar en una buena colección de discos
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Supertramp: Even in a quitest moments

Aun recuerdo perfectamente el día que mi hermano trajo a casa, prestado por un amigo, este disco. Fue impresionante, cómo sonaba. Y aquella guitarra de 12 cuerdas de metal para abrir el disco en “Give a little bit” era arrolladora. Recuerdo que cuanto más lo oía más me gustaba hasta que de repente un día fui a ponerlo, y sorpresa mía, ¡YA NO ESTABA! Vaya decepción ... Y es que resulta que el disco era prestado, como siempre, si algo era bueno, no teníamos dinero para comprarlo, pero mi hermano no hacía nada más que coger su guitarra acústica y repetir y repetir las notas de aquella canción que tanto me hizo soñar. Supertramp, se había colado en nuestros sueños musicales, y gratamente ya no se fue. Al poco tiempo conseguimos reunir unos ahorros mi hermano y yo y nos lo compramos a medias. Vaya!!! Como venerábamos aquella portada, cuantos momentos de esplendor, sonaba como los ángeles en aquel “estéreo” que le compró mi padre a mi hermano por haber aprobado a fin de curso, hacía 2 años. Y con los días fui descubriendo que a ese disco no le fallaba ni una sola de las canciones, “Babaji”, “From now on”, todas, todas, hasta que aquello se quedó pequeños y con el “Fools overture” (La obertura de los locos) tuve casi un éxtasis musical y encontré entre las colecciones de amigos y hermanos de amigos todos los anteriores discos. Cayeron en mis garras y fueron grabados en nuestros “cassettes” de la época (los mp3 de los pobres de entonces que no teníamos para comprarnos más de un disco cada 2 meses a lo sumo) y con todo ese material aprendimos lo que era el rock sinfónico, el rock progresivo y la utilización de instrumentos de orquesta para hacer un disco grabado para la eternidad.
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Terez Montcalm: Woodoo

Térez Montcalm es uno de esos genios ocultos, en la línea de la nueva ola de cantantes de jazz, mucho más cercano al gran público, con un ritmo y una sensibilidad especial. La descubrí la pasada semana en un programa de radio muy generalista como una gran cantante y me deslumbré con su estilo. En cualquiera de sus discos, podéis encontrar diversos estilos y actitudes, no como hoy es habitual, encontrar discos planos, en el sentido que escuchas una y ya has oído todas las canciones, con Térez Montcalm, cada corte es una nueva aventura, una sorpresa. Su voz me conmueve, sus letras, sus desgarros, ha sido para mi un descubrimiento importante. Totalmente recomendable os lo aseguro.
Espero sepáis disculpar la torpeza de mi pobre entender del jazz, la falta de conocimiento de este apartado musical, pero poco a poco descubro muchos atractivos en este revelador estilo, pero he preferido no esperar mas, empezar a publicar y comenzar a compartir todos estos artistas.
Tras "Risque" y "Parle pas si fort" sus dos primeros álbum Terez Montcalm llega ahora con "Voodoo" su trabajo mas ambicioso. Comparada con Janis Joplin, Edith Piaf y Ella Fitzgerald, se desmarca con su originalidad. Con la participación de Michel Cusson, este álbum da luz a tres canciones propia y grandes clásicos de Elton John, Jimi Hendrix, y el más que conocido “Sweet Dreams” de los Eurythmics pero todo bañado con el caramelo del jazz.
Por cierto, “Terez” es de Québec (Canadá), es francofono-parlante y excepcionalmente este disco está grabado totalmente en Inglés, aportando no solo la voz a esta obra sino también mucha guitarra

Disfruta la DESCARGA del disco

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Ximo Tebar: Son Mediterráneo

En mis tareas de investigación a cerca de los artistas que ponemos en cada entrega, encontré a Ximo Tebar, este músico español de Jazz que sorprendentemente tiene una fama internacional, más que reconocida. Esta vez me voy a evitar casi transcribir lo que se, o he averiguado de él. Buscando interesantes canciones de SOLEDAD GIMENEZ, tuve la suerte de encontrar un tema que grabó junto al guitarrista de jazz Ximo Tebar (tema que podéis escuchar debajo, en el reproductor de esta entrada, y que he puesto de “Extra” en este disco) y me sorprendió que sonaba a una extraña mezcla entre PRESUNTOS IMPLICADOS (y la voz de Sole Gimenez) y a GEORGE BENSON. Y la verdad es que no me equivoqué absolutamente nada. Ximo Tebar es un afamado compositor y guitarrista de Jazz nacido en Valencia (España) hace 45 años y ha trabajado promocionando el mejor jazz y jazz-fussion, pop y funky que se puede elaborar en España. Ha trabajado codo con codo con artista de renombre internacional, como el propio George Benson que citaba anteriormente, Spyro Gira, Path Metheny, Frank Zappa, Double Image, Tete Montoliu, Lou Benet, Pedro Iturralde, Lou Donaldson, Dr. Lonnie Smith, Louie Bellson, Jorge Pardo, Joey DeFrancesco, Mike Mossman, Jan Ackerman, etc. Y la lista, como veis, se hace interminable.
En definitiva es un artista mucho más que interesante y que recomiendo conozcáis más a fondo su biografía en este enlace: http://www.jazzspain.net/web/ximotebar/xtbiografy.htm
Ximo, además, ha creado un estilo, dentro del jazz, que se ha dado en llamar el Mediterranean Jazz Fussion Latin & Groove algo raro de nombre pero que suena a jazz fussion a español y a mediterráneo.

Descárgate ahora a XIMO TEBAR

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Ray Parker: After Dark

Ray Erskine Parker Jr., nacido el 1 de mayo de 1954, en la ciudad de Michigan, Detroit. Es un compositor y músico (guitarrista) estadounidense de R&B.En un principio, fue un aprendiz del cantante Barry White, e incluso, apareció brevemente tocando su guitarra, en una película filmada en 1974, Uptown Saturday Night.Desde 1978, formó parte del grupo Raydio, también de estilo R&B, compuesta por Vincent Bohnam, Jerry Knight y Arnell Carmichael, con mucho éxito. Incluso, Ray componía temas a músicos y cantantes como Stevie Wonder, The Spinners, entre otros.Desde 1981, inicia su carrera como solista, su mayor éxito fue "The Other Woman", del mismo año, estuvo en los primeros lugares en los Hot 100 de los Billboard. Su éxito mundial, fue cuando compuso el tema principal de la película Los Cazafantasmas (1984).Y curiosamente siendo por este trabajo prácticamente conocido de manera mundial, su labor es extensísima como músico, compositor, arreglista, productor y colaborador en discos de múltiples estrellas como Temptations, Stevie Wonder, The Spinners o la mismisima Diana RossEn 1985 tras perder "amistosamente" un litigio entre su compañía discográfica y la banda americana "Huey Lewis and the News"por plagiar un tema de estos, en su exito "Ghostbusters", emigra a la compañía de Jazz-Funk "Geffen Records" con la que graba el disco que hoy os traigo. After Drak es un alarde de R&B bien hecho, tiene pasajes sublimes, excelentesbien elaborados y sorprende cuando se escucha y se sabe que es el mismísimo autor de los Cazafantasmas porque esun derroche de belleza y corecta producción y grabación.Para mi discreta razón, apuntaría 3 canciones iompecables en el disco, "Perfect Lovers" inspiradora balada de lo mejor que se compùso en los 80, "I think that man should sleep alone" y buen "medio tiempo" acabando en pegadizo y arrebatadory por último "after Midnight" que remata el disco hasta llevarlo a lo más alto en su parte instrumental.Sorpresón para deleitarse un buen rato .

AFTER DARK RAY PARKER

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Sade: The Best of Sade

Helen Folosade Adu es su nombre de pila, SADE ADU su nombre musical. Nacida en Ibadan, Nigeria, y criada en Colchester, Essex, lugar al que se mudó a los cuatro años de edad luego de que su madre inglesa se separara de su padre nigeriano.Sade, a lo largo de su vida, siempre ha tratado de hacer todo aquello que siente que es correcto, honesto y verdadero. Para ella, en comparación, nada le ha parecido más importante que esto. Mientras crecía, Sade escuchó la música soul de artistas como Curtis Mayfield, Donny Hathaway y Marvin Gaye.Sin embargo, ella no pensaba en la posibilidad de ser cantante. En lugar de la música, decidió estudiar moda en el St. Martin’s Art College, haciendo de vocalista únicamente cuando dos de sus compañeros de clases formaron una banda, con la condición de que lo haría “hasta que ellos encontraran a una cantante más apropiada”. Desde ese momento y hasta que se vio como cantante en la banda de latin funk Pride a principios de los ochenta, Sade fue descubriendo el extraño placer que significa escribir canciones.Durante su estancia con Pride, Sade co-escribió “Smooth Operator” junto a Ray St. John, y fue a partir de ese momento en que ella decidió abandonar su timidez y tomar el centro del escenario frente a su propio grupo formado por los ex-miembros de Pride, Stuart Matthewman, Andrew Hale y Paul Spencer Denman.En 1984, su primer sencillo, “Your Love Is King”, logró ser un hit de las listas de éxitos top ten. Y así, abruptamente, Sade se convirtió en un icono.
Con el lanzamiento en 1984 de su álbum debut, “Diamon Life”, Sade se comunicaba con una audiencia global. Incluyendo los temas de éxito “Your Love Is King”, “Smooth Operator”, y “Hang On to Your Love”, el álbum permaneció 98 semanas en las carteleras del Reino Unido y 81 semanas en la cartelera de Billboard.Sade recibió premios por Mejor Álbum y el Grammy por Mejor Nuevo Artista. Luego de “Diamon Life” vino “Promise”, un rico y evocativo disco que nos hizo entrega de excelentes temas como “Is it A Crime” y “The Sweetest Taboo”, el cual ha sido uno de los temas más difundidos en la historia de la radio. Como su predecesor, este álbum también fue un éxito internacional multi-platino.
Tres años después juntó a su grupo de nuevo para grabar “Stronger Than Pride”, su disco de 1988, produjo memorables sencillos como “Paradise”, “Love Is Stronger Than Pride” y “Nothing Can Come Between Us”. El impacto de este disco se propagó por toda la Europa continental, Australia, Y Japón en la forma de un tour que incluyó, también, sus primeras presentaciones en los estadios de los Estados Unidos.
En 1992, Sade lanzó al mercado “Love Deluxe”, un disco atrevido y emocionalmente honesto que ganó un gran respaldo en el ámbito comercial y de la critica especializada. En los estados Unidos estuvo 90 semanas en la cartelera Billboard, mientras que el sencillo “No Ordinary Love” fue incluido de manera prominente en la película de Robert Redford “Indecent Proposal” (Una proposición indecente).En 1996 pudimos apreciar los 16 temas de “Best Of Sade”, y en el año 2000 y después de 40 millones de discos vendidos, Sade nos saca al mercado “Lovers Rock”. Sin pretensiones y sutil, este disco, que a simple vista puede parecer simple, nos muestra el gran talento de Sade como escritora de canciones que llevan un sello de refinamiento.Con temas como el humilde y acústico “Sweetest Gift”, el emotivo “All About Our Love”, y el conmovedor “Slave Song”, este es un disco cálido, intimo, y sensible. En “Lovers Rock”, así como en discos anteriores, Sade continúa describiendo los secretos susurros de los deseos del corazón, manteniéndose honesta consigo misma y con su trabajo, siempre tratando de ir mas allá y de llegar más alto.

Esun honor para AgoradeMúsica que te descargues ESTE DISCO DE SADE

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Pioneer The Album Vol 1: House (2000)

De sobra es conocida esta colección que cada otoño puebla las pantallas de nuestros televisores con kilos y kilos de publicidad. Desde el año 2000 la discografica "Blanco y Negro" edita el que es uno de los recoplilatorios referencia cada año, el famosísimo "Pioneer". Esta vez traigo lo que fue su volumen número 1 y concretamente el disco dedicado a la música "house" que si uno le echa una ojeadad y degusta la selección realizada podemos admirar el esquisito gusto con que fue realizada esta selección y además cada uno de los temas fue éxito absoluto: Modjo y su eterno "Lady", Bob Sinclair, Afro medusa, La viana y tantos y tantos que son plenamente conocidos, y ya se han convertido en clásicos del "house" en las pistas de baile más selectas.

A romper el esqueleto con este PIONEER Vol. 1 HOUSE

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Kenny Rogers: The Very Best

Kenny Rogers nació El 21 de agosto de 1938 en Houston Texas. Este cantante country creció en uno de los sectores más pobres de la ciudad. Su padre, John Rogers, quería que compusiera dos canciones desde que era niño, como las de "The coward of the county" "Ruby don't take your love to town", empezando su carrera artística. Tuvo la influencia de varios músicos de la música country y soul, tales como Nat King Cole, Charly Daniels, Arthur Alexander y Chuck Berry. En 1977 logró un éxito descomunal con su sencillo "Lucille" que arrasó en las listas estadounidenses de country y además en los rankings de música pop. Otro de sus grandes y memorables éxitos es el tema "Coward of the County". Actuó junto con Barbara Streisand en la película “Nace una Estrella”. Ha hecho duetos junto a otros artistas como Dolly Parton, Sheena Easton, James Ingram, Dottie West, Alison Krauss, Ronnie Milsap, Nicky Rider, Kim Carness, Gladis Gladis Night,.Y tras su separación de la que fue su banda inicialmente (The First Edition) a finales de los setenta, se lanzó a una carrera repleta de enormes éxitos, esta vez en solitario pero ayudado en la producción de su música por artistas de tal calibre como Lionel Ritchie Jr, tendiendo a estilos más cercanos al pop que al country, que fue su estilo inicial. Su decadencia llega a finales de los ochenta dedicándose hasta la actualidad a regentar una cadena de comida rápida en los USA, labor que en la actualidad, alterna con actuaciones estelares en la Vegas y lugares de similar calibre. Tuvo, también, a principios de los ochenta, una incursión en el cine con dos títulos a raíz de sus éxitos musicales, “The Gambler” (El Jugador) de temática relativa al título de la canción. Importante para la música americana, Kenny Rogers ha sido un artista peculiar, único, de voz ronca e inconfundible y que supo pasar del Country al Pop con una habilidad muy seductora.
Descarga KENNY ROGERS

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Soledad Gimenez: Quizás

Solo nos queda un mes escaso, para poder disfrutar del nuevo álbum de Soledad Gimenez, la “separada” cantante de Presuntos Implicados que se llamará “La Felicidad” y del que hace dos días ya he tenido la oportunidad de escuchar su primera canción de adelanto, y del que espero ocuparme, cuando salga, en su oportuno momento, hoy he decidido traer su, de momento, único álbum editado en solitario allá por el 2004 y que se titulaba “Ojalá”. Creo que es una correcta manera de empezar a abrir boca de lo que va a ser su nuevo disco. Quiero hacer mención no solamente a la calidad, la belleza, la dulzura y la sensualidad de su voz sino a un aspecto mucho más significativo y que de verdad sí se nota en este disco. Ella misma comentaba que todas las canciones que contiene, de alguna manera u otra, le han hecho llorar. Es muy difícil averiguar en un artista este aspecto y que quede reflejado en un disco, pero “Sole” lo consigue, se nota, se palpa, se aprecia, incluso hay pasajes tan espectaculares, que no queda otra cosa que hacer, que llorar y dejarte llevar por esos instintos tan emotivos. Me temo que en un mundo tan mercantilizado como es el actual, nos falta un profundo aparatado para el intimismo con notas de personalidad, ese intimismo individual, que cada persona lleva en su alma y que no sale a la luz ni de nuestras personas más allegadas.
Soledad Jiménez hace valer su experiencia en un disco dedicado a canciones todas ellas clásicos de los 60, 70, 80 y 90. Obtienen con su voz otra dimensión, no solamente te transportan a esos momentos, sino que renacen hoy, con un sabor algo más que especial.
DESCARGA EL DISCO DE SOLEDAD GIMENEZ QUIZAS

Aaron Neville: The Grand Tour

Aarón Neville es un cantante de color de Nueva Orleáns nacido el 24 de Enero de 1941 (67años. Su estilo es Soul y R&B ya que sus conocimientos musicales parten de la música gospel negra que se realiza en los pueblos sureños de Louisiana. Desde muy joven integra junto con sus hermano la banda “Neville Brothers” que abandona a finales de los 80 no sin antes haber cosechado multiples exitos y fama con ellos. Es muy importante y destacable las colaboraciones con Linda Ronstad con la que hizo 3 duetos que llegan a estar en los TOP 10 de las listas americanas. A principios de los 90 se independiza de su banda de hermanos y comienza su andadura en solitario con hasta el momento 21 discos editados, su carrera como se ve es altamente prolífica y su capacidad compositora, propia de un artista de altísima calidad. Ha ganado 3 premios Grammys, en 1989 y 1990 como mejor cantante Pop de grupo y en 1994 mejor cantante de colaboración Country con Linda Ronstad y ha sido nominado otras 16 veces más por distintos trabajos en géneros como el gospel, el pop, el R&B o el Country. Sus colaboraciones con o para otros artistas salpican una andadura de lo más variopintas: la ya mencionada e importante con Linda Ronstad, Kenny G, Robbie Robertson, Aretha Franklin y Dr John, aparece en colaboraciones musicales para obras de Disney, la opera rock “The Young and the Restless”, con Chaka Khan, Mavis Staples, Chris Botti, David Sanborn, Art Neville, y la lista se hace interminable. Es tan importante este arista, para la música americana y como tan poco conocido en Europa.Hoy, he querido aportar un disco que, ni de lejos es el mejor de su carrera, pero para mí el más delicado, serio, y representativo de su música. Y todo un homenaje, que llevo en el recuerdo de lo más profundo de mi corazón, para mi hijo César, que nació en el año en que este disco se editó en España. Escucharlo cada vez me recuerda los días de su nacimiento, y es, con este artículo, un homenaje para mi seguidor número uno. La canción “My Brother, My Brother” es un brindis para él y el más bello recuerdo musical, de sus primeros días de vida, escucharlo es, la banda sonora de aquellos imborrables momentos.Espero que disfrutéis, descubráis, y os deleitéis con este artista, tanto como yo lo hago cada vez que lo vuelvo a escuchar.
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Joan Manuel Serrat: Mediterraneo

Ponerme ahora a describir la vida y la obra de Serrat, me parece hasta irresponsable, recomiendo que utilicéis los cientos de millones de páginas que se han publicado sobre su vida y su obra. Pero ¿por qué entonces traigo hasta aquí este disco si es mucho más que conocido?. La respuesta es compleja y fácil a la vez. Vamos a ver... cada vez que me pongo delante de mi colección analizo que poner y que decir de cada artista o de cada disco que pienso puede ser válido para subir a este blog, pero de este disco me parece que a veces damos por ello que todo el mundo lo tiene pero descubro que todo el mundo lo conoce y que muy muy pocos lo tienen. Bueno, pues si la situación es esta, aprovecho esta espléndida oportunidad para compartir el disco que me vio crecer en mi juventud, que tiene ese toque poético necesario, que resume qué aporta Serrat a la música en el mundo. Y escuchando hoy de nuevo cada canción, mi cabeza vuela a esos duros años 70 en los que sobrevivir era un ejercicio de responsabilidad, me suena a tiempos de serie de la TVE canal 1 “Cuéntame”, me suena a que si alguien quiere musicalizar algún poema de los grandes de la literatura del mundo, primero le pides permiso a Serrat y si él no lo va a cantar, que lo haga quien se atreva.
En definitiva, que no por muy conocido, seguro que falta en cualquier buena colección musical y que el disco no es que lo considere imprescindible, es que no tenerlo !!!!!es delito!!!!!!. Como siempre hay alguien que quiere conocer a fondo la biografía de Serrat les recomiendo este ENLACE

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Lighthouse Family: Gratest Hits

Lighthouse Family es un dúo de Newcastle (UK) formado por Paul Tucker (Inglés) y Tunde Baiyewu (Nigeriano) Todo nace de la mente y la idea de producir música de Paul Tucker, que compuso un single, "Ocean Drive", para el que tuvo que esperar a conocer a un vocalista para salir publicado (unión que les facilitó un Dj y los cientos de anuncios puestos por Tucker). Así que tras la unión Inglés-Africana y varias sesiones de estudio produjo el sonido deseado por Tucker y se empezó a gestar su primer álbum, Ocean Drive. Lp que no arrancó con buen pie en las listas de UK hasta el lanzamiento del segundo single, el conocidísimo "Lifted" que les aupó al Top 5. Cabe destacar la colaboración de Tim Lawes (productor de Gabryelle) y algún componente de Simply Red, para un disco que apuntaba muy buenas maneras.
En 1997 lanzan el segundo disco “Postcards from Heaven”, con buen aire “soul” y excelentes coros, que denotaba más pegada que el primero.
“Whatever Gets You Through The Day”, tercer disco de Lighthouse Family que vio la luz en 2002 muestra una vez más orgullosamente todas esas cualidades que han llevado a mucha gente a creer que Tunde Baiyewu y Paul Tucker tienen totalmente asimilado el estilo Pop. Pero, teniendo en cuenta que los dos primeros discos tuvieron tantísimo éxito que originaron giras promocionales y conciertos en directo que no terminaron hasta la primavera del 99 – sumando todo ello a seis años de frenética actividad desde que firmaron con Polydor en 1993- y que después, Paul se tomó un descanso para atender a su tercer hijo nacido prematuramente, y la madre de Tunde desgraciadamente murió poco después de él mudarse a Londres, entonces está claro que el camino hace la creación de “Whatever Gets You Through The Day” no ha sido precisamente fácil y tranquilo. El primer single unifica el “I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free” de Nina Simone y “One” de U2, y es un maravilloso ejemplo de estos atributos. Los arreglos de Paul del original crean una base no muy complicada para la emotiva interpretación de Tunde de una canción que fue en los sesenta un himno a los derechos civiles de los negros.Y desde entonces poco más se supo, a parte de este Greatest Hits (2002, y reeditado en 2006) y The Very Best Of (2003). Amén del último single editado para el Greatest Hits en 2002 (la alegre "I Could Have Love") y un DVD de Vídeos (2007); así como la pequeña y poco gloriosa aventura en solitario del vocalista Tunde con un álbum en solitario por allá 2005. Y así acaba, por lo visto, la carrera de el grupo más prolífico y cuidado de Pop y Soul de la era moderna. Belleza sonora y un nivel de ventas asombroso (2,5 millones el primer álbum y 3,7 el segundo).

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Donald Fagen: The NightFly

Donald Fagen es el 50% de la mítica banda “Steely Dan” que en plenos 70 y 80 lanzaron álbumes míticos y que pasaran a la historia de la música pop. Con fuertes influencias del jazz-fussion, y con la experiencia que da haber editado hasta entonces 10 discos junto a Walter Becker (el otro 50% de “Steely Dan) Donald se lanza a este disco en solitario, y la idea le sale perfectamente, es un disco sobrio, elegante, perfectamente creado, magistralmente interpretado y no podía ser de otra manera ya que llevaba trabajando más de 5 años con álbumes en estudio exclusivamente y esto marca un estilo. Con producción propia lo que marca aun más si cabe, su estilo, da una visión de lo que este artista pretende mostrar al mundo y de verdad que lo consigue. Alterna a lo largo de más de 30 años su labor en solitario con un total de 4 álbumes ( este “The Nightfly, Live at the beacon, Kamakiriad, y en el 2006 Morph de Cat. También a lo largo de los 80 y los 90 realiza diversos trabajos para la música, dirige una revista neoyorquina de soul, compone música para alguna banda sonora del cine americano y reúne de nuevo a Walter Becker para continuar con su “Steely Dan” que tantos éxitos les han proporcionado.
Este THE NIGHT FLY es un disco para una buena colección que es imprescindible en cualquier biblioteca musical, un canto a la calidad y un perfecto ejemplo de la exquisita música que se proponía desde los USA a principios de los 80

A disfrutar ahora con DONALD FAGEN: THE NIGHTFLY

Revolver: 8:30 A.M.

El Madrileño Carlos Goñi, líder y vocalista de sus ya tres bandas, Garaje, Comité Cisne y su actual, REVOLVER, es un tipo que salvando las distancias, me parece muy interesante, al menos a nivel musical, claro, ya que sí que tiene claro qué quiere hacer y cómo lo quiere hacer. Soporta cambios que lleva con dudosa tranquilidad, si le oyes hablar en una entrevista, se queja hasta de la madre que le parió (siempre en le buen entendido) pero es que así expresa lo que busca de la vida, y eso lo refleja en sus letras y en su música, honesta, libre, real, cercana, a veces muy cuarentona (nacido en 1961) pero independiente, muy independiente. He elegido esta vez este disco de Revolver, si bien, ni de lejos el mejor disco de Carlos y su banda, sí me parece muy representativo para acercarse a la música de este grupo. Tiene momentos casi sublimes, “eso de saber”, “Ay amor”, “Odio”, “lo que Ana ve”, son piezas de quitarse el sombrero, claro que oído todo el CD despacito, está lleno de buen pop, y eso que, repito, no es el mejor disco. A si que opino que es una buena manera de empezar a conocer a revolver y empezar a respetar y entender que en España se hace buena música.

REVOLVER 8:30 AM.